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Conclusiones del grupo de trabajo Media Art/Arte digital coordinado por:

• Paloma G. Díaz
• Pilar Irala Hortal
• Susana Serrano Gómez-Landero
• Yolanda Spínola Elías

El grupo gira en torno a estas cuestiones:

• ¿Cuáles son los principales retos a los que se enfrentan las prácticas artísticas digitales con respecto a su producción, difusión y vías de legitimación?
• ¿En qué medida las nuevas propuestas artísticas que utilizan herramientas digitales pueden aportar soluciones o visibilizar alternativas posibles a los problemas que plantea la crisis actual global?
• ¿Qué impacto ha producido Internet en la creación artística y asimismo qué papel ha jugado el arte en la evolución de la cibercultura?
• ¿Qué importancia ha tenido para el desarrollo del media art las formas de trabajo colaborativas en red y viceversa?
• ¿Es determinante el uso de tecnologías libres y licencias copy-left para la evolución del media art/arte digital?
• ¿Qué dispositivos se deberían activar desde las instituciones culturales, educativas y medios de comunicación para facilitar el acceso a las prácticas artísticas digitales?

Contexto de las comunicaciones

El arte digital tiene unas características que le son propias. Encontrar, clasificar y reflexionar sobre esas particularidades nos lleva, en primer lugar, a retomar las teorías de algunos de los más importantes pensadores del arte contemporáneo como ideas-guía del trabajo de este grupo.

Inicialmente, pensar sobre El arte digital, como un arte postaurático. De la pérdida del aura al artista como postproductor, nos permite ordenar las teorías del caos planteadas en De la cultura visual a la cultura hipertextual: La imagen digital y el nuevo paradigma artístico, tecnológico y científico, ya que ambas participaciones tienen temas transversales como la participación del público y los planteamientos creativos. Respecto a estos últimos planteamientos, inciden en ellos también las reflexiones sobre el Consumo del arte de los nuevos medios: ¿Libertad en soledad?, y El laboratorio de arte contemporáneo: la actual convergencia de arte y ciencia en el campo artístico. Así mismo, estos temas enlazan con las posibilidades del paso de la Narrativa analógica a la narrativa digital y la profundización en las cuestiones creativas con La estética del net-art: Adiós a la perspectiva identitaria. Un punto de vista psicológico y Media art: un arte complejo. Finalmente, también se profundiza en formatos específicos como Mobile art o la creación en el fin de la privacidad.

Balance del foro de debate

1. En El arte digital, un arte postaurático. De la pérdida del aura al artista como postproductor, de Roger Domínguez Argemí, el debate ha girado en torno a la idea de aura, tal y como teorizó Walter Benjamín, y su posible pérdida en el arte digital. En él se planteó si el arte digital ha traído una transformación ontológica que haya hecho perder esta aura y cuáles son las características intrínsecas de este arte. El autor insiste al respecto en la idea de que no todo el arte digital lo ha perdido, pero que la formulación de esta metáfora walteriana puede ser útil para abarcar determinados aspectos de estas creaciones. Surge la opinión contraria que describe que lo que sucede con determinadas manifestaciones actuales es precisamente el reforzamiento de esta transcendencia. Entre otros temas, también se habló sobre el papel del arte digital en el medio social, el acercamiento al público y las políticas artísticas.
2. En De la cultura visual a la cultura hipertextual: La imagen digital y el nuevo paradigma artístico, tecnológico y científico, de María Jesús Lamarca Lapuente, el debate se estableció en torno a la teoría del caos planteada en la comunicación y los sistemas de trabajo en el arte digital y la cultura hipertextual. Un tema sobre el que se trató mucho fue el del acceso del público a la obra y la democratización, en diferentes aspectos, que la obra digital supone para la sociedad en general. Qué usos y caminos artísticos se abren para el arte actual, especialmente digital. El debate finalizó con una reflexión de Lamarca sobre que el arte sin conciencia es banal. Así, afirma, que hay que evitar “parquematización”, la falta de reflexión y ahondar en el análisis y las razones de la experiencia estética o vital.
3. En La estética del net-art: Adiós a la perspectiva identitaria. Un punto de vista psicológico, de Sara Olivé y Josep Seguí Dolz, los autores repasan en su ponencia la evolución del concepto net.art y cómo la pérdida de la perspectiva se está convirtiendo en un multi-beeing todavía no aceptado por los críticos de la Postmodernidad. El intenso debate ha girado sobre todo, en torno a la idea que mostraron diferentes críticos y autores hace una década sobre el fin del net.art. Los autores han defendido su visión no historicista y han ido incorporando en el debate datos sobre las dudas generadas entre los participantes en el Foro.
4. En Mobile art o la creación en el fin de la privacidad, de Paloma G. Díaz, se debate sobre el potencial como herramienta creativa y las líneas de trabajo sobre la telefonía móvil. Obras, exposiciones y muestras no hacen más que refutar la importancia creativa de éste medio de comunicación que ha cambiado por completo la manera de relacionarnos con los otros y con nuestro entorno. La autora introduce en el debate ideas sobre los diferentes puntos de vista que han permitido a numerosos artistas originar experiencias creativas que no hacen más que reflexionar sobre nuestra relación con la tecnología y con principios tan elementales como son nuestro derecho a la privacidad o el respeto hacia los demás.
5. En El laboratorio de arte contemporáneo: la actual convergencia de arte y ciencia en el campo artístico, de Juan Jesús Morales Martín, el debate se centró en las formas de producción colaborativa que se producen en los laboratorios de arte actual, donde se combinan procesos analógicos y digitales gracias a la participación conjunta del artista con especialistas en distintos campos del saber. En esa premisa se cuestionó sobre el papel actual del autor como productor y el propio concepto de artista cuando éste deja de ejercer un control completo sobre su obra, es decir, cuando se separan idea y ejecución. Se argumentó sobre la existencia paralela de otras formas de producción actual en otro tipo de laboratorios -los medialabs- donde el artista participa como un nodo más en un sistema horizontal de creación. Se discutió sobre el paralelismo entre el espíritu de trabajo colectivo y de división de tareas en los talleres actuales y los talleres renacentistas. El grueso del debate versó finalmente sobre la convergencia entre arte, economía y sociedad a través de la aparición de empresas-laboratorios que se integran en el mercado del arte internacional realizando prácticas culturales que suman el discurso del capitalismo globalizado. Se sacó a colación la figura del mecenas hoy en día, su perfil y estrategias comerciales y de comunicación mediática en estrecha relación con el mercado financiero así como el devenir en éste de la industria cultural y los recursos que implican el desarrollo de proyectos artísticos basados en las nuevas tecnologías.
6. En Media Art: un arte complejo, de Laura Rosseti Ricapito, se cuestionan los límites éticos del Arte y el difícil camino hacia una concepción de la ciencia más comprometida con el desarrollo de las conciencias en un panorama social donde la confluencia entre Arte, Ciencia y Tecnología produce  nuevas terminologías artísticas (nano-art, mobile-art, robotic-art,…). En este sentido se discute ampliamente sobre la función principal del Arte, sobre si todo “vale” en él, sobre el concepto de belleza y entretenimiento y sobre la labor del artista en la sociedad. Se subraya la importancia del Arte como un mecanismo de comunicación propio que provoque cambios de actitudes, pensamientos, acciones, en lugar de anclarse en una actitud pasiva. Lo bello es entendido al respecto en algunos autores como una estrategia más pero no como un requisito indispensable de la obra artística, que lo que pretende, para otros, es principalmente provocar esa reacción en el espectador. Es éste quien protagoniza el discurso en las aportaciones siguientes, donde se cita entre otras un ejemplo de las posibilidades pedagógicas y artísticas de Second Life.
7. Con la comunicación De la narrativa analógica a la narrativa digital Raquel Herrera nos animaba a reflexionar sobre las distintas formas narrativas empleadas a lo largo de la historia del arte para identificar así los cambios producidos con el paso a la utilización de herramientas digitales. El debate se centró sobre todo en cuestionarnos si realmente estas narrativas experimentales se identifican más con los nuevos medios digitales o ya se habían estado dando en los analógicos. El debate tocó temas interesantes como el propio funcionamiento del pensamiento humano en relación a la manera en que construimos el discurso y también ha sido una buena ocasión para comentar algunos títulos de películas sobre las que seguir indagando en la materia.
8. En Consumo del arte de los nuevos medios: ¿Libertad en soledad? Mariana L. Torres, planteaba la cuestión de la recepción o “consumo” de arte en la red. Su texto está estructurado en tres ejes (Sin Riesgo, ¿En soledad?, En Libertad) y además hace referencia a obras concretas sobre las que se desarrolla su reflexión. Esta acertada construcción del texto y la actitud dinámica y receptiva de la autora han conseguido generar un debate rico en el que se han tocado temas muy diversos. Los conceptos de libertad, de soledad, de consumo, de participación y co-creación, de lo público y lo privado, son algunos de los muchos asuntos tratados. Se resaltó la necesidad de crear nuevas categorías que se correspondan con las prácticas artísticas digitales. Se ha discutido sobre las ventajas e inconvenientes de los modos de difusión del net.art o de si realmente se da un acceso verdaderamente en soledad al arte que nos llega por internet. De ahí partieron aproximaciones hacia el propio concepto de participación del individuo en el ciberespacio donde la presencia no tiene una materialidad física, y con esta aproximación cada uno fue manifestando sus filias y fobias, generalmente optimistas ante los retos que supone estar inmersos en la cultura digital.

Crisis analógica, futuro digital

Mucho se ha reflexionado en el grupo Media Art/Arte digital sobre las crisis que el arte digital plantea con respecto a muy diferentes cuestiones creativas, especialmente las diferencias con las formas artísticas del arte tradicional (lo analógico), la relación con el público (transformaciones en el acceso al arte a través de Internet) y la potencial merma de las características tradicionales del arte: originalidad, unicidad, aura.

Directrices y propuestas

Pensamos que la Cultura ejerce de dispositivo de cambio decisivo desde el que potenciar las singularidades y los comunes de las distintas sociedades. En un período de crisis y reorganización del sistema económico mundial, donde a pesar de todo el auge de las nuevas tecnologías va adquiriendo más y más terreno, es indispensable no reducir aún más el apoyo económico que los gobiernos dedican a este sector, uno de los primeros en ver disminuidas sus posibilidades en las agendas nacionales e internacionales.

Pensamos asimismo que las amplias posibilidades creativas que ofrece el medio de Internet, con su óptima repercusión en el ámbito artístico en todos los niveles –producción, difusión, gestión, educación, etc.-, unido a la democratización tecnológica que produce el software libre, merece una especial y más pormenorizada atención el análisis desde el que establecer las premisas sobre las que sustentar las bases legislativas reguladoras del sistema, cada vez más enfocadas hacia el carácter punitivo de las mismas.